Lawson Oyekan
Céramiste
Né en 1961 en Grande-Bretagne.
Lawson a passé les vingt premières années de sa vie au Nigeria, à Ibadan, où son père est juge à la cour suprême. Il y fait des études de chimie avant de suivre différents cursus d’art et de design au Nigeria. Il retourne en Angleterre en 1983, et poursuit ses études dans des écoles d’art : Saint–Martins school en 1985, Royal College of art à Londres en 1988-1990. Il y reçoit l’enseignement d’Eduardo Paolozzi, importante figure de l’art et du design écossais et anglais de la seconde moitié du XXe siècle. Il obtient la Darwin Scholarship award en 1989. En 2001, il reçoit le Grand Prix de la Biennale de Corée avec Healing Being une haute forme en terre cuite au sommet arrondi érigée en une sorte de termitière pourvue de multiples perforations. Cette œuvre, érigée à la main, est le début d’une thématique qu’il déclinera de différentes façons et qui lui vaut d’exposer sur tous les continents : Europe, Asie, États-Unis…
Ses origines londoniennes et africaines se retrouvent dans son travail. Les pièces sont perforées et incluent parfois un texte en anglais ou en Yoruba. L’expérience et l’éducation d’Oyékan se retrouvent dans ses formes.
« Mon intention est d’exprimer la résistance humaine et de délivrer un message : la souffrance humaine n’est pas une fatalité. »
Son travail, son style
Le sujet fondamental du travail de Lawson est la vie. Il triture la substance même de la création (argile), ce matériau mythique de toutes formes de vie.
Les structures paraissent confuses, et cette confusion est à l’échelle de son travail et de sa profondeur.
« Mon art explore le drame physique de la complexité de la nature, des rythmes de l’évolution de ma propre conscience et du défi extraordinaire qui consiste à faire dialoguer entre elles des identités aussi diverses que celles qui constituent la Grande Bretagne moderne. J’ai été influencé depuis les années 60, quand je vivais chez mes parents, par cet environnement chargé de cultures différentes provenant de tous ces réfugiés, Rhodesiens, Africains du sud, Ghanéens, Ethiopiens, parmi d’autres. Ce n’est pas une synthèse simple de ces inspirations mais une poursuite authentique de la sagesse qui sous tend l’équilibre dynamique et les contradictions de chacun. C’est comme le magma en mouvement qui s’étend sur la croûte terrestre, puis éclate pour devenir granit, sable et argile, et sculpte l’environnement. Les fourmilières de la savane du Nigéria de mon enfance capturent les nuances et le processus polyrythmique celui même qui participe à l’évolution de mon expression artistique. Mon travail est l’expression de mon humanité insoumise, sans compromis, à la poursuite de l’excellence. »
Oyekan Lawson vit et travaille en France, dans les Vosges depuis six ans. Il y a ainsi créé un atelier, après ceux de Londres, du Danemark, de Corée, des Etats-unis (Montana et Minnesota) à nouveau en Angleterre dans le Dorset, puis au Pays de Galles.
Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques internationales Grande-Bretagne, États-Unis, Danemark, Corée, France (Musée des Arts Décoratifs, Paris et Musée National de Céramique, Sèvres).
« Le sujet fondamental des oeuvres du sculpteur anglo-nigérian Lawson Oyekan est la force vitale et le renouvellement des formes de vie. Il aborde la question des origines, la mixité des cultures et la diversité des identités souvent contradictoires qui composent le monde. Son inspiration est intimement liée à son matériau de prédilection, l’argile, aux multiples implications ancestrales pour l’homme. Mais l’artiste sculpte également le granit et le bois… Son message récurrent est celui de la force physique et morale de l’humain, la mise en évidence de « l’esprit de la nature » (titre d’une grande exposition personnelle qui lui a été consacrée aux Etats-Unis en 2005). Ces thématiques sont métaphorisées par de grandes pièces organiques en forme de diaphragmes, des contenants largement ouverts ou bien refermés sur un creux, dont les surfaces sont souvent écrites en anglais ou en Yoruba, pleines de graffitis et d’équations, percées et scarifiées comme s’il s’agissait d’une peau humaine ou d’une paroi caverneuse… » Frédéric Bodet.
Lawson Oyekan, sculptor of strength and fragility
The fundamental subject in the work of the Anglo-Nigerian sculptor Lawson Oyekan is the life force and the renewal of forms of life. His work addresses questions of origins, mixed cultures, and the diversity of the often contradictory cultural identities that make up the world. His inspiration is closely connected with his particular material, clay, which has so many significant ancestral implications for man. But the artist is as much involved with sculpting granite and wood . . . his consistent message concerns the physical strength and morality of the human being, and the revelation of ‘the spirit of nature’ (the title of a major solo exhibition dedicated to his work in the Maryland Institute College of Art, Baltimore, USA 2005). These themes are brought to life in the large organic works with their arching base or ‘diaphragm’, suggestive of breathing, containers that are wide open or else closed around a hollow interior. Their surfaces are often inscribed with words in English or in Yoruba, filled with scrawled marks and signs, pierced and scarred as if it were human skin, or like the stark drawing on a cave wall.
Concise Biography
1961 Lawson Oyekan born in England Childhood in Nigeria
1983 Return to England to pursue an art education (after studying chemistry and then art in Ibadan, Nigeria)
1985–1988 BA degree in Ceramics at Central St Martins, London, (graduated with distinction)
1988-1990 Masters Degree in Ceramics at Royal College of Art, London; attained the Darwin Scholarship Award during his studies, in 1989.
1991 Fletcher Challenge Award of Merit, New Zealand, prize for excellence in international ceramic art
2001 First recipient of Grand Prix Award in the initial World Ceramic Biennale, Icheon, Korea.
Since then, he has exhibited regularly throughout the world and in the major institutions of contemporary art in Europe, in Korea, in Japan, in the United States . . His work is currently collected by major international museums. In understanding Lawson’s work it is important to consider the artist’s dual origins – being at the same time a Londoner and an African. His education has shaped in him an independent spirit, a taste for moving from place to place and transitory situations: he has never, for instance, had an established studio, preferring to make do with temporary studios wherever he travels, where the conditions or the human connections seem stimulating to him: he was working at one time in Denmark, then in the United States, then in Korea. At the moment he has one foot in the north of Great Britain, and the other in a new studio in France, at Ban de Sapt in the Vosges, drawn there by the possibilities of wood firing, and confirmed also by his great friendship with the acclaimed French sculptor-ceramist, Thiébaut Chagué, long established in this area, at Taintrux . . . The choice of this way of living ‘on the move’ has continually enriched his creativity, he has never found it to be a problem or an insecurity, but sees it much more as ‘positive exile’ – a way of embracing the world in all its rich diversity, welcoming the whole.
The installation for Gaydon, Heritage Motor Centre, Warwickshire.UK
The artist is not yet as well known in France as he is abroad, even though one of his best known works, (from the series ‘Body Undivided’) was acquired by the Musée des Arts Decoratifs in Paris in 2011. In September 2010, he had been invited – with two other famous English ceramists, Magdalene Odundo and Richard Batterham – to exhibit at 19PaulFort, the huge Parisian house-gallery in which ceramics has a central place, but is always seen in relation to other contemporary or traditional forms of artistic expression. The encounter between Lawson Oyekan and the director of this original art location in the 14th arrondissement took place in 2007, a crucial year in which the sculptor had been commissioned by Aston Martin to make a series of powerful large scale terracotta sculptures for the grounds of their company head office in Great Britain. As part of the same project ‘Aston Martin meets Art’, these distinguished brand cars were photographed together with the works of significant international artists such as Norman Forster, Jean Nouvel, Lawrence Weiner, Anselm Keifer, Tony Cragg, Rebecca Horn, and, of course, in front of the grand terracotta monoliths of Lawson Oyekan, the only artist so far to have been selected to make a permanent installation of his work especially for Aston Martin. One could compare these great forms in the landscape to huge anthills made by a human hand, forms of intense power, even though their surfaces are torn open in a dynamic and febrile manner.
The installation is called « Physics Being, Healing Physics », which aptly sums up the essential preoccupations of the artist: the universal body, the scars of life, the desire for reconciliation and tranquility… This is how Lawson Oyekan himself expresses his search for wisdom, adventure and freedom: “My work is the expression of my free-spirited humanity, uncompromising in the pursuit of excellence. I have been influenced since the 1960s, when I lived with my parents in Ibadan, by this environment filled with the different cultures of all the refugees, Rhodesians, South Africans, Ghanaians, Ethiopians . . . I can forever see the great ant nests of the Nigerian savannah of my childhood, with their subtleties and their poly-rhythmic ways of growing, which have contributed so much to my own artistic expression ( …) Suffering is not a destiny. My intention is to express human resistance and to give an optimistic message. My art explores the physical drama bound to the complexity of nature. I often imagine this synthesis of human contradictions to be like a lava flow on the move, which spreads over the earth’s crust and then erupts to become granite, sand and clay, the materials that will give form to the environment…”
The outstanding thing about Lawson Oyekan’s sculptures certainly resides in their capacity to arouse a physical emotion in the viewer. The big jars in the ‘Body Undivided’ series, conceived during the 2000s, perfectly expressed this combination of strength and fragility, while highlighting his highly physical and original approach to technique: the artist starts with a small simple slab of clay which he throws on the floor and stamps it out, stretches it and covers it with iron oxide pigments, rolled or painted on with a brush. Then he stabs and scribbles over the surfaces vigorously, and brings these different ‘patches of skin’ together to build up a ‘body’ that is generous and open, whose thinly built walls are membranes that ring like a bell when one strikes them. . . . Regarding the most recent works, these include the Cocoons of white porcelain, or the Twin Forms on a wooden plinth, that are reminiscent of great ovoid ‘heads’, mysterious and secretive. Forms closed over, less punctured and disrupted than in previous works, they are also softer and more perfect, and radiate a rare and intense serenity.
The opportunity to admire and to acquire these new works, made in Oyekan’s current studio in the Vosges, is afforded once again by the gallery 19PaulFort in Paris, from 19thOctober to 8th November 2015, in an exhibition that is appropriately and unsurprisingly called « Positive Exile”. Frédéric Bodet is the curator of the Sèvres Museum specializing in contemporary ceramics. (translation Alison Britton)
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Portrait de Lawson Oyekan
Un atelier dans les Vosges
Le grand céramiste anglo-nigerian Lawson Oyekan est un artiste nomade qui s’installe là où la terre porte une histoire. Il vient de se poser dans les Vosges avec son univers. Tout a commencé en 2010 à Paris au moment de l’exposition France-Angleterre qui a lieu chez Hélène Aziza pour le parcours céramique parisien de l’AIC. Douze grandes sculptures y seront montrées, les premières en France depuis l’exposition collective Le cru et le cuit du musée de Dunkerque vingt ans plus tôt. En compagnie de Thiebaud Chagué grâce à qui l’exposition a pu se faire, il visite la Borne, se rend dans des carrières de grès, de granit, participe au célèbre et très méconnu Festival de géographie de Saint-Dié dans les Vosges où le céramiste français fait une cuisson en plein air et, conquis par la région, se met à y chercher un lieu pour y créer de nouvelles céramiques.
L’histoire et le paysage
Il trouve à Ban-de-Sapt, un ancien entrepôt militaire appartenant à la ville qui accepte de signer avec lui pour trois ans une convention renouvelable. Tout cela n’a rien d’anecdotique. Lawson Oyekan recherche les lieux forts, difficiles, marqués par l’histoire et la mémoire. En l’occurrence, il ressent avec acuité les traces des guerres passées dont celle de 1870 encore présentes dans la région. Même si celles-ci n’interviennent pas directement dans son œuvre, elles se fondent, à partir du paysage dans sa géographie mentale. « Ce monde que je regarde ici a un impact fort sur moi » avoue-t-il. Le grand bâtiment rectangulaire qu’il loue a quelque chose de rude avec ses murs salis et son bric à brac de machines (dont un lave-linge de pressing apportée d’Angleterre !), de terres, de sculptures, de grands dessins épinglés au mur, d’objets divers. Lawson évoque les bombes qui y furent entreposées. Mais il y a aussi de gros blocs de bois brûlé de toute beauté issus d’un sequoia géant voisin que le propriétaire n’a plus voulu lui donner sachant la couleur de sa peau… Il a apporté un tour et un four à fibres cylindrique d’Angleterre, un autre des USA. A l’extérieur un grand four à gaz trentenaire à quatorze brûleurs, racheté à une entreprise de Dunkerque qui fermait, attend des modifications car il est incompatible avec la pression du gaz de la ville. En attendant, toutes les céramiques cuites en France l’ont été dans le grand four noborigama de Thiebaut Chagué à Taintrux.
Métamorphose…
Ce n’est pas d’aujourd’hui que Lawson Oyekan s’exile ainsi. Il a eu son propre atelier à Londres, mais a travaillé deux ans au Danemark, autant en Corée et aux Etats-unis, Montana et Minnesota, en Angleterre dans le Dorset, au Pays de Galles, « Chaque fois j’y ai trouvé autre chose. » Lawson se frotte aux artistes locaux et parle du travail qu’il conduit, « de voyage artistique et d’une exploration personnelle autour des combats pour l’existence humaine… ». Tout chez lui évoque la démesure, l’extension, celle des mouvements, des déplacements et du sentiment du temps. Son rapport au monde est très physique et s’exprime à travers des sculptures qui disent la précarité de l’équilibre humain, les métamorphoses des états de la matière dans le temps géologique et la corrélation de l’homme et de son environnement. Une grande sculpture anthropomorphe en granit lui a été commandée par la ville de Birmingham où elle trône désormais dans un parc. Randall Gray , avec ses grandes plaques bleu très foncé évoque plutôt le métal. « J’ai exploré beaucoup de terres différentes. Ce qu’on a ici sous nos pieds c’est du granit. Partout dans la région la terre est rouge, produit de sa lente décomposition. Cuire l’argile, c’est refaire le chemin inverse, refusionner les silicates « . Il se dit alors « fasciné » par l’argile française sans que l’on comprenne très bien de quelle terre il s’agit. « Elle est réputée. En Angleterre, en Norvège, en Allemagne, tout le monde veut la travailler. La porcelaine de Limoges a inexorablement marqué la céramique de ce pays ». Lawson a toujours travaillé la porcelaine. « Il y en a de toutes sortes. Je les adapte et ça devient « la porcelaine de Lawson » s’amuse-t-il.
Présence Yoruba
Ses formes sont abstraites et puissantes. Même ses bols de porcelaine au fond concave qui ont à voir avec la culture nigériane Après Ero, les hauts cylindres percés et rythmés d’inscriptions Yokuba, faits de grandes plaques repliées à l’assemblage visible comme des lignes de fracture réparées il a conçu de hautes formes fermées, arrondies et perforées pouvant évoquer des termitières mais aussi des têtes sans regard (Da pupa, les jumeaux Yoruba)et sans voix qui imposent pourtant leur présence humaniste. Les premières datent d’une quinzaine d’années, et il en donne depuis des variations, comme celles que l’entreprise Aston Martin lui a commandée pour son usine de Gaydon à deux heures d’Oxford. Ces formes constituent une source inépuisable de sens : « Elles sont communes à toute l’humanité, évoquant la terre-mère mais aussi ce qui traverse le temps. Les perforations, les scarifications, sont des cicatrices où s’impriment les variations du temps. Elles marquent des peaux et sont très similaires à la peau des arbres ». Les dernières se sont arrondies en cocons, mais sont recouvertes de petites plaques qui se superposent comme une géographie de l’aléatoire. Il y mêle porcelaine et terre rouge. Toutes ces céramiques seront à voir du 19 octobre au 8 novembre au 19ruePaulFort Paris 14e. (Texte de Carole Andréani paru dans la Revue de la Céramique et du Verre de Septembre/Octobre 2015).
Made in Minneapolis, Minnesota during a work period in 2006. [Body composition is inspired by the energies of the Minneapolis environment as at the time that all plants where heavily loaded with post winter – freeze – buds. I was painting an analogous state of environmental tension before the explosion of spring greens.] Wrapped Minnesota Clay fired to 1300Centigrade in a Salt Kiln but with no additional salting: 1metre / 2.5metre clay format.
Cet artiste a participé rue Paul Fort à :
L’exposition « Sous leurs protections » du 4 au 24 février 2019 : > Lien vers l’exposition
L’exposition « Positif exil » du 19 octobre au 8 novembre 2015 : > Lien vers l’exposition
Une exposition de groupe intitulée « France-Angleterre », dans le cadre du « Circuits céramique » en septembre 2010 :
> Lien vers l’exposition
Photos
